ENTREVISTA RAMON CORNADÓ A PHOTO KM0 by Rubén Perdomo


Ramon parla de manera reposada, pensa cada paraula abans de dir-la i mentre l’escolto recordo les seves fotografies: les imatges són ambients en blanc i negre, minimalistes i subtils, on en escasses ocasions apareix la figura humana, imatges poètiques que no deixen indiferent i conviden a la reflexió, les seves fotografies no són producte de l'atzar.

 
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BIO:
Nascut a Tarragona, he tingut com a referents d’aprenentatge a David Balsells, Daniel Canogar, Cristina García Rodero, Philipp Scholz, els centres Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya i IDEP (Barcelona). L’obra personal, tant en l’edició de fotollibres com en el terreny expositiu, es mou actualment en dos àmbits ben diferenciats: l’observació i interpretació de la realitat que ens envolta (espais perifèrics dels nuclis urbans, espais de consum i de reclams publicitaris) i, per l’altre costat, en l’expressió de la poesia visual (a través de l’elements molt simples de la natura, d’imatges metafòriques, o d’altres elements com el fum). També he treballat el retrat de forma introspectiva i he creat espais que conviden al silenci. En el decurs dels anys, he afinat la meva sensibilitat vers el minimalisme existencial (mínima informació, mínim soroll, mínima comunicació, a través d’espais buits plens de silenci on es pot revelar el que és essencial). He estat encarregat dels Serveis Fotogràfics del Museu Nacional Arqueològic de Tarragona, codirector amb l’escriptor Magí Sunyer, de la col·lecció de fotografia i poesia “La imatge que parla” de l’editorial Arola Editors, així com he fet publicacions al voltant del patrimoni per a la Diputació de Tarragona. Premi nacional de fotografia Lux d’Or el 1993, en l’apartat de retrat. Tinc obra personal als fons del Museu d’Art Modern de Tarragona, Museu Arqueològic de Tarragona i a l’Arxiu de la Diputació de Tarragona.

 

Impulsa i organitza: Estudio Perdomo

Col·labora: Marcs Virgili i Cervesa KESSE

Fotógrafs KM 0: Gerard Boyer, Pep Escoda, Ramon Cornadó, Ram Giner, Verònica Moragas, Nani Nolla, David Oliete, Rubén Perdomo, Lluc Queralt, Alba Rodríguez, Cristina Serra,.

Papel Hosokawa con la impresión de platino y paladio by Rubén Perdomo

¿Adónde fue la vida coexistente cuando la naturaleza permitió que los humanos vivieran y los humanos se preocuparon por mantener la naturaleza?

Ahora, se insta al mundo a encontrar formas de lograr el crecimiento económico y la protección del medio ambiente, y las perspectivas de la naturaleza arraigadas en Japón pueden proporcionar una pista, y es al mismo tiempo que abraza tales pensamientos y enfrenta la naturaleza.

El fotógrafo Nobuyuki Kobayashi imprime usando Platino, el metal más estable en la tierra, aplicado sobre papel Washi producido de la misma manera hoy desde hace mil trescientos años.
Se cree que, con las características especiales de ambos, no causará ningún cambio durante cientos de años, por lo que estas impresiones vivirán para siempre.

 

Cualquier cosa que se desee con sinceridad tiene la posibilidad de manifestarse.

PHOTO KM_0 by Rubén Perdomo

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Des de el 8 d’agost de 2019 es pot gaudir al carrer del Vidre 6 de Tarragona l'acció fotogràfica "photo Km 0", una iniciativa per part d'Estudi Perdomo que dóna suport i reivindica el talent artístic d'alguns fotògrafs de la ciutat; Gerard Boyer, Ramon Cornadó, Pep Escoda, Ram Giner, Verònica Moragas, Nani Nolla, David Oliete, Rubén Perdomo, Lluc Queralt, Alba Rodríguez, Cristina Serra. Fotògrafs implicats amb Tarragona i que formen part important del teixit cultural i documental de la nostra ciutat. Cada mes al carrer del Vidre de Tarragona, es podrá contemplar una fotografia d’un d’aquest 11 fotógrafs en horari comercial (10:00-21:00 h) de dilluns a divendres. Km0 pretén donar visibilitat a aquest col·lectiu i donar valor al treball d’aquests autors.

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Photo: Tonet

Photo: Tonet


Impulsa i organitza: Estudio Perdomo

Col·laboren: marcs Eduard Virgili i Cervesa Kesse

Revelando quiénes somos a través de nuestra fotografía. Bruce Heinemann by Rubén Perdomo

OBLIT

“¿Y qué es el arte, pero en su sentido más puro, simplemente la expresión de la experiencia humana en cualquier forma que pueda tomar? En su esencia, el arte es el deseo del Universo de conocerse a sí mismo, y a través de nuestras imágenes, palabras, música y tradiciones culturales encuentra su expresión ".


Este artículo es el tema y contenido parcial del segundo capítulo de un libro y seminario en curso titulado: Fotografiar el arte de la naturaleza y el poder transformador de ver.

He llegado a considerar que el concepto y el estado real de desnudez representan lo que verdaderamente somos, tanto física como mental y espiritualmente. Usamos ropas para calentar y ocultar el cuerpo, sonreír y reír para ser alegres y enmascarar el dolor emocional, y en la desnudez tranquila de nuestros pensamientos inalterados, explorar introspectivamente nuestro verdadero y esencial ser espiritual. La famosa pegatina de parachoques dice: "El arte salva vidas". Absolutamente, el arte salva vidas porque es curativo y, ¿qué es curar pero estar completo? El arte sana porque nos proporciona un vehículo mediante el cual podemos explorar y expresar aquellos aspectos de nosotros mismos y de nuestra experiencia de vida que a menudo permanecen ocultos a la sombra de nuestro subconsciente. El arte puede dejar al descubierto y revelar la naturaleza y el carácter esencial de nuestro verdadero y auténtico ser. Quizás lo más importante, revela la belleza indescriptible y el arrebato de la creación que está alrededor, pero en su mayoría está oculto a un mundo demasiado ocupado y con prisa por verlo y experimentarlo. La naturaleza fundamental del artista en la búsqueda de sentido y propósito es exponerse al mundo para que todos lo vean. Este es nuestro mayor riesgo, pero también nuestro mayor regalo.



“En las sombras de nuestro ser se encuentran aquellos aspectos de nuestra verdadera naturaleza que deseamos negar y ocultar. Es solo con el coraje de reconocer lo que escondemos en nuestra sombra de nuestro verdadero ser, que por fin podemos llevarlos a la luz de la aceptación, para que, por fin, nos puedan completar ”.


“La totalidad solo es posible con la coexistencia de los opuestos. Para conocer la luz, debemos experimentar la oscuridad ”. 
Carl Jung.

Fundamentalmente, el arte es nuestra búsqueda de la verdad existencial. A través de él, intentamos dar sentido y entender nuestro lugar en el universo y nuestra relación entre nosotros y con el mundo que nos rodea. Como artistas, todos somos únicos en lo que expresamos y en cómo lo expresamos. Sin embargo, común a todos es nuestra búsqueda de sentido. Una de las principales formas en que el artista construye el significado es a través del uso de la metáfora visual y el simbolismo.

Dijo Carl Jung:

“El conocimiento de los símbolos es indispensable, porque es en ellos que se consuma la unión de contenidos conscientes e inconscientes”. 
"Hasta que hagas que el inconsciente sea consciente, dirigirá tu vida y lo llamarás destino". El subconsciente es donde se almacenan nuestras experiencias, creencias y recuerdos. El autoconocimiento, la comprensión de nuestros pensamientos y comportamientos y su influencia en nuestras vidas, hará que el inconsciente sea consciente "

A través de la fotografía, somos capaces de transformar inconscientemente objetos y formas del paisaje, dándoles gran importancia psicológica. Al asignar importancia a las formas o metáforas simbólicas, podemos objetivar la realidad subjetiva, los sentimientos y los efectos dándoles una forma visual concreta, haciéndolos concebibles y comprensibles tanto emocional como intelectualmente.


Por lo tanto, el fotógrafo debería hacer una pausa para considerar qué me atrae y por qué. ¿Cuáles son los temas o expresiones creativas que aparecen constantemente en mis imágenes? Más importante aún, ¿cómo uso lo esencial de la fotografía ... luz, composición, símbolos, metáforas, etc., para expresar y transmitir temas o ideas? En resumen ... ¿a quién o qué estoy tratando de decir sobre mí y mi experiencia? El poder de transformación de la fotografía no radica en fotografiar cosas en sí mismas, es decir, patrones de formas, colores, texturas, luces, etc., sino cómo la interrelación entre cualquiera o todos estos elementos en una imagen o de otra manera empleada en ella puede y debe Expresar significado en lo que nos encontramos en el paisaje. Las cosas de la fotografía ... patrones de formas, colores, texturas, luces, etc. son como artefactos en una excavación arqueológica. nos dan datos e información, pero solo cuando se toman en contexto ... es decir, "in situ" es su significado e importancia disponible para el espectador. Aquí, "in situ" se refiere no solo a dónde se encuentra, sino también a qué significado se expresa por su relación posicional y cultural con todos los demás artefactos que lo rodean. Como tal, es la totalidad de todos los artefactos en un sitio, lo que da la "imagen más completa" del significado histórico de ese sitio. Como tal, idealmente, estos elementos fotográficos esenciales, cuando se usan con habilidad y experiencia, como un conductor y su varita que coreografían una interpretación sinfónica, transmitirán la importancia y el significado para el fotógrafo de lo que se expresa en su imagen. pero qué significado se expresa por su relación posicional y cultural con todos los demás artefactos a su alrededor. Como tal, es la totalidad de todos los artefactos en un sitio, lo que da la "imagen más completa" del significado histórico de ese sitio. Como tal, idealmente, estos elementos fotográficos esenciales, cuando se usan con habilidad y experiencia, como un conductor y su varita que coreografían una interpretación sinfónica, transmitirán la importancia y el significado para el fotógrafo de lo que se expresa en su imagen. pero qué significado se expresa por su relación posicional y cultural con todos los demás artefactos a su alrededor. Como tal, es la totalidad de todos los artefactos en un sitio, lo que da la "imagen más completa" del significado histórico de ese sitio. Como tal, idealmente, estos elementos fotográficos esenciales, cuando se usan con habilidad y experiencia, como un conductor y su varita que coreografían una interpretación sinfónica, transmitirán la importancia y el significado para el fotógrafo de lo que se expresa en su imagen.

Delta de l'Ebre 2014


Canción visual

Continuando con esta analogía, otra forma de conceptualizarla es pensar en escuchar una gran sinfonía, o metafóricamente hablando, una canción visual. Mientras que una sinfonía es una creación y manifestación de todos los elementos de los que está hecha; notas, frases, compases, dinámicas tonales y texturas, armonías y ritmos, cuando escuchamos y experimentamos un trabajo sinfónico, nos permitimos ser parte de la música, absorbidos y llevados como una hoja en una corriente, nuestra emocional Las respuestas rebotan y caen en cascada en su flujo armónico y rítmico. Es probable que, aparte de una interpretación, se pueda desmontar la sinfonía y considerar cada uno de los componentes de la pieza (notas, frases, etc.) como artefactos en la creación general para obtener un valor educativo instructivo. Y, como estudiar los elementos compositivos de una sinfonía,


"La adversidad se presenta a un hombre a sí mismo".
Einstein

Galicia

¿CÓMO APLICAR PERFILES ICC? by Rubén Perdomo

¿Cómo aplicar Perfiles ICC?. ¿Es realmente necesario?.  Cada vez más profesionales de la imagen eligen esta opción.

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1. Ajuste del monitor

Las principales causas de un monitor mal calibrado pueden ser:

  • Las marcas y la calibración de colores de cada una de estas.

  • La calidad y el tipo de monitor que estemos utilizando (CRT, LCD, LED).

  • El tiempo que el monitor lleva continuamente encendido sin descanso.

  • La antigüedad del mismo.

  • La cantidad de luz del ambiente donde estemos trabajando.

  • Etc

Ajustes mínimos recomendados del monitor:

  • Luminosidad: 90 - 120 candelas por metro cuadrado

  • Temperatura de color: 5.000 Kelvin (D50)

  • Valor de gamma: 2,2

2.Configurar perfil ICC en Photoshop

Nuestros perfiles ICC estan pensados exclusivamente para la prueba en pantalla con Photoshop o Lightroom. Bajo ningún concepto, se debe incrustar el perfil en el archivo, los perfiles los aplicamos desde el RIP de impresión.

Instalar perfil

En primer lugar, descargue el perfil del producto correspondiente; el perfil ICC. AQUI!

Tras la descarga, deberá primero descomprimir el perfil y luego importarlo.

  • MAC OS X: copie los ficheros en el directorio /Library/ColorSync/Profiles

  • Windows: clic con el botón derecho del ratón sobre el archivo y seleccione "instalar perfil"

Cuestiones

Al gestionar íntegramente los Perfiles ICC en todo el proceso de edición o revelado vamos a obtener los mejores resultados pues lo que vemos es lo más parecido al resultado final impreso.

Hacer esto es una elección personal del artista o fotógrafo. Si no estás seguro-a, no lo hagas. Editar un trabajo en Adobe RGB (1998) de principio a fin es más que correcto. Nosotros hacemos la Gestión de color, previa a la impresión de todos los trabajos que recibimos, convirtiendo el documento al PERFIL ICC del papel en el que se va a imprimir. Es fundamental hacerlo para conseguir altos niveles de fidelidad y calidad.

Por otro lado, en ocasiones, algunos colores cambian ligeramente al realizar esta conversión de perfil. No hay reglas rígidas al respecto pues, cada imagen, cada creador y cada cámara fotográfica son totalmente distintos. Siempre es un reto conseguir el mejor resultado que, no es otro, que plasmar lo más fielmente posible la obra que el creador nos ha entregado.

Cada papel acogerá tu imagen de un forma ligeramente distinta. Teóricamente cuanto mejor sea el material sobre el que imprimimos, más amplia será la gama de color y claroscuros que se recogerán. También teóricamente, cuanto más caro sea el papel, mejor será la calidad de este soporte, a partir de la pureza de las fibras que conforman su estructura y la calidad de la emulsión con la que está recubierto.

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Primero descargar el perfil con el que deseas trabajar. Podrás conseguir con esto aún más control del aspecto colorimétrico, del Gamut de tu imagen.

3. Convertir a perfil ICC

Cómo Convertir a Perfil ICC?. (por regla general no recomendamos este método al trabajar con nosotros). Aquí vamos a describir cómo convertir nuestra imagen al perfil que deseemos. Recomendamos hacerlo a partir de una imagen en RGB, es decir, que la imagen que vayamos a convertir previamente tenga incrustado el Perfil ICC RGB. Ten en cuenta, por ejemplo, que el Gamut de Color de RGB es muchísimo más amplio que el perfil sRGB de un archivo JPEG. Si partimos de una imagen con un Gamut muy reducido (debido a la compresión) la traducción-conversión de color puede generar aún más pérdidas de calidad.

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Si optas por esta alternativa, recomendamos que reserves una copia de tu archivo original en RGB, a fin de poder en el futuro convertir de nuevo este archivo a un perfil de color diferente, pero partiendo desde el archivo RGB nativo de tu imagen.

4. Ajustes de la prueba de color

El Perfil ICC para prueba en pantalla consiste en ver tu imagen a través del perfil aplicado sobre este archivo, pero solo en modo de visualización, en ningún caso se modifica la gama de colores incrustada en tu imagen. Creemos que para el creador, esta es la mejor opción. Es decir, tener incrustado en nuestra imagen siempre el Perfil ICC RGB y ver a modo de prueba de pantalla el aspecto de la obra en el perfil del papel en el que vayamos a imprimir, pero solo a modo de visualización de prueba. De esta forma, siempre podremos conservar la imagen original en RGB y desde ahí poder optar por la visualización en diferentes papeles sin haber alterado la gama de color de nuestra obra. No es conveniente convertir más de una vez nuestra imagen a diferentes perfiles pues a través de la herramienta de Histograma podremos comprobar como el Gamut de la imagen va perdiendo cada vez más información y ya no hay vuelta a atrás. Bueno, sí hay vuelta a atrás, degradando y generando «ruidos» en la imagen. En modo de visualización de prueba, lo podrás hacer las veces que quieras sin peligro de degradar la información contenida.

Resumiendo: cuando aplicamos el perfil de color para prueba de pantalla, no alteramos la esencia nativa del archivo. De hecho, nosotros nunca trabajamos sobre la imagen que nos enviáis, hacemos una copia y sobre esta trabajamos.

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Si desde el principio trabajas con el perfil de color del papel que vas a utilizar, la aproximación al resultado final es máxima, nunca total, ya que como sabes los «colores luz» de la pantalla solo se asemejan al «color tierra» de las tintas pigmentadas. Todo esto no es más que un juego de aproximaciones muy sofisticado, de interpretaciones más o menos acertadas al resultado impreso, a través de la tecnología que tenemos disponible.

Nos podemos acercar mucho más al resultado final impreso a base de imprimir múltiples pruebas y así ir ajustando una a una las tintas contenidas en la imagen (todo esto a partir de la utilización de más herramientas tecnológicas como lámparas de luz normalizada, más herramientas de medición del color impreso etc… Pero eso se parecería más a un trabajo de laboratorio científico que a una labor creativa. A nosotros en ocasiones se nos pide realizar esto y nos encanta, pero es costosísimo en tiempo y dinero para el cliente. En nuestra opinión, para reproducir una obra artística original de un creador vivo y en activo, no merece la pena llegar a esto en absoluto.

5. Aplicar la prueba de color

En "Vista -> Colores de prueba", podrá visualizar su imagen con y sin el perfil de prueba. De forma alternativa, tiene la opción de activar o desactivar la prueba en pantalla con la combinación de teclas CTRL + Y" en Windows y "CMD + Y" en Mac.

A tener en cuenta: los perfiles del metacrilato, Alu-Dibond, panel de PVC, calendario impreso, tajetas clásicas, tarjetas nacaradas y tarjetas texturizadas son de tipo CMYK. No obstante, se realiza una mera simulación CMYK. A pesar de ello, las imágenes deben enviarse en RGB.

En caso de querer realizar cambios en su imagen, puede hacelos mientras esté activa la prueba en pantalla.

6. Recomendaciones

1-Si vas a imprimir con nosotros y si lo puedes evitar (ya que vas a realizar una inversión que consiste en Impresión Giclée con 11tintas pigmentadas), te recomiendo que evites enviarnos imágenes con agresivas compresiones que son muy adecuadas para Internet o incluso para offset, pero no para una impresión de muchísima calidad.  EVITA IMPRIMIR IMÁGENES COMPRIMIDAS EN JPEG con un Perfil de Color ICC muy reducido como  sRGB , solo pensado para visualizar en pantalla.

2-Para evitar que tus archivos pesen demasiado, trabaja en TIFF y al guardar el archivo utiliza el algoritmo de compresión denominado LZW, conocido también como algoritmo Lempel-ZIv. Es un sistema de compresión sin pérdida, algo parecido a la compresión de archivos a través de WinZip o WinRar.

3-No dudes en ponerte en contacto con nosotr@s para cualquier duda o problema a la hora de afrontar la importante decisión de conseguir la máxima calidad para tu trabajo . También puedes suscribirte a este blog. Recibirás algunos post que podrán ser de tu interés y además no somos nada pesados.

“Que papel me aconsejas” by Rubén Perdomo

1 - Hahmemühle , Epson, ...

La pregunta que se repite cuando entra un fotógrafo a nuestro estudio; “que papel me aconsejas”?

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Un buen papel tiene textura y carácter. Es visualmente agradable, sobre todo tiene calidades estéticas y artísticas. Por supuesto, también tiene que tener calidades técnicas. El recubrimiento correcto, el brillantez o el brillantez adecuado, el acabado correcto. Tiene que tener un buen D-max porque el negro más oscuro está definido por él. Tiene que tener un bello tono blanco, no demasiado blanco o demasiado amarillento. Encontrar la combinación adecuada de aspectos artísticos y técnicos es el que me mantiene buscando el papel "perfecto", el que hará que mis impresiones se vean del mismo modo que quiero. Un papel impresionante pero sutil. Atractivo pero no llamativo. Técnicamente perfecto pero artísticamente inspirador, capaz de transmitir mi mensaje de la mejor manera posible y capaz de hacer frente a las posibilidades artísticas evasivas que ofrece el arte a los artistas.

Mi papel preferido es Hahnemuhle Photo Rag  i Photo Rag Ultra Smooth. Me gusta su textura y mirada. Este papel tiene una excelente calidad de impresión, dándome tanto colores saturados como sutiles, junto con el aspecto táctil, artístico y artesanal de un papel de fibra natural. Todos estos factores son importantes para una exposición, portfolio, … porque la calidad de la impresión requiere el uso de un papel de primera calidad.

2 - Impresiones enmarcadas bajo vidrio
Cuando se enmara una fotografíaa bajo vidrio, la textura delicada de un barita o un papel de fibra natural desaparece (si no és cristal museo), esto significa que la textura del papel pasa a ser secundario. Por lo tanto, en lugar de utilizar un papel de fibra natural, tenemos la opción de un papel de base de poliéster para impresiones enmarcadas.

Cuando vendo una impresión, nunca sé donde podría acabar. Aunque normalmente conozco la ubicación del comprador original, las personas se mueven y las impresiones se revencionen de forma que una impresión puede acabar mostrándose en condiciones muy diferentes. Por este motivo utilizo generalmente un papel ríguido y resistente como FineArt Baryta de Hahnemühle.



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3- Conclusión

La creación de fotografías no és solo una cuestión de encontrar el papel "perfecto" también es, y sobre todo, saber como se ve vuestro trabajo cuando se imprime en un documento, ubicación específico. He utilizado los mismos papeles durante años y mientras pruevo nuevos papeles como ahora el nuevo producto de Hahnemühle Photo Rag Metallic, pero sigo utilizando los papeles clásicos, no solo porque me gusta el acabado, sino por que sé que puedo esperar cuando imprimo.